김익모가 자신의 그림에 몽유도원도를 제명으로 선택한 것은 그저 우연일 수 있다. 그의 그림은 남도 일대에서 흔히 접할 수 있는 풍경으로 벚꽃이나 배꽃 농원에서 얻은 감흥의 소산일 수도 있을 것이다. 사실 작가의 표현적 터치나 대중문화의 기호들로서 하트나 풍선 그리고 숫자와 부호 등은 안견의 화론과 연결고리를 찾기 힘들다. 그의 연작 등은 주제의 서술에 특별한 의미를 두지 않은 것처럼 보이기도 한다. 작가에 있어 캔버스란 그저 그림 행위의 즐거움을 위해 선택된 도구일 뿐이다. 주변에서는 판화가로서 20여년 가까이 체험했던 형식의 굴레와 기법의 한계로부터 과감히 일탈하려는 자유의지에서 온 것이라 말한다.

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<즐거운 풍경> 연작을 그리는 김익모의 근작들은 작가의 자유의지를 반영한다. 그러나 우리는 그의 그림에서 자유란 규범과 분리되지 않고 동전의 양면처럼 하나의 체계 속에 융합되고 있다는 사실을 알게 된다. 전통적 판화형식과 규범의 지배 속에서 벗어나 김익모가 얻은 자유는 추상표현주의자들의 강렬한 색채대비와 거친 붓터치 그리고 뿌리고 밀어내고 긁어내는 과정에서 돌출되는 재료의 물성과 그 위에 배치된 팝적 기호들로 표상되고 있다. 이제 작가는 그 자유로움 속에서 자신의 예술을 지켜줄 미학적 표준을 갖출 것을 요구받고 있다. 그의 ‘신몽유도원도’는 이러한 그의 요구에 부응하는 하나의 방식으로 다가온다.

김영호_ 중앙대교수, 미술평론가

작가의 개념적 아이디어를 중요시하는 동시대 미술의 흐름과 IMF경제 위기 이후 위축되었던 판화계 활성화를 위하여 2004년에 처음 개최된「국제판화워크숍」이 올해로 7회를 맞이한다.

2010년「국제판화워크숍Ⅶ」에는 대만과 뉴욕에서 활동하는 동진평(董振平, 대만)을 초대한다. 동진평은 현재 대만 국립 타이페이 예술대학 판화과 교수로서 판화 보급에 많은 노력을 하고 있을 뿐만 아니라, 판화에서 조각에 이르기까지 다양한 조형적 표현 언어를 넘나들고 있다.

이번 국제판화워크숍Ⅶ 초대개인전에서 그가 보여줄 신작들은 모든 인간들에게 정해진 자연 법칙인 생노병사(生老病死)와 같은 삶의 사이클에서 발생하는 예기치 않은 변화를 다양하고 상반된 이야기를 통해 보여주며, 삶에 대한 철학적 질문을 던지고 있다.
동진평 교수는 삶을 살아가면서 느끼게 되는 강렬한 감정은 항상 탄생, 나이, 질병, 죽음과 같은 삶의 단계에서 기쁨의 감정, 흥분, 고통과 슬픔이 함께 존재하고 있다고 생각한다. 그의 작품에 자주 등장하는 죽음을 상징하는 해골, 무엇인가 예측하기 어려운 기괴하고 음침한 분위기의 형상과 진화, 변환, 전진을 의미하는 숫자들의 나열은 이러한 그의 작품이 내포하고 있는 인생의 양면성과 복잡성을 상징하고 있다.

그의 “Face Book” 시리즈는 타자기 혹은 프린터와 같은 기계들을 이용하여 작품을 만드는 과정 중에 발생된 인류의 컴퓨터 과학기술 발전을 나타내고 있으며, 최초에 나온 인쇄물부터 현재의 진짜와 같은 가상세계까지 사람들은 모두 다 허구적인 현실 속에 살고 있다는 것을 표현하고 있다.
그의 현실과 가상세계에 대한 의문은 장자의「재물론편」에 나오는 이야기인 장주가 잠을 잤는데 꿈속에서 자유롭게 날아다니는 나비가 되었다가 깨어보니 다시 장주가 되어있었다는 호접지몽을 연상시킨다.

“Two-in-One” 은 미국에서도 활발한 활동을 하고 있는 동진평 교수의 민족적 정체성을 반영하고 있으며 여성의 얼굴 반과 말의 머리를 합쳐서 하나가 된다는 뜻을 가지고 있다. 화면의 중앙에 나열된 숫자들은 진화, 변환, 전진의 과정을 설명하고 있으며 화면상의 주제가 바뀔 수 있음을 의미한다. 이 작품에는 볼 수 있는 화면 네 모퉁이의 하트는 대만에서 어떤 잔치가 있거나 절 안이나 근처에서 시장이 설 때, 불러서 공연을 하는 대만전자꽃차의 화려한 색채를 보여주고 있다. 또한 아래 부분의 횡단보도와 같은 선은 키보드를 의미하는데, 이는 관람자가 집중하여 스크린 안의 반인반수(半人半獸)와 서로 말을 주고받으며 교류하는 것을 암시하고 있다.

본 행사는 작가와의 만남과 판화워크숍과 함께 진행된다. 6월 27일 행해질 「작가와의 만남」에서는 동진평 교수가 직접 관람객에게 작품에 대하여 설명하고 대화를 통해 그의 작품관을 알 수 있는 작가와 관람객의 쌍방향 소통이 가능한 시간이 마련된다.「판화워크숍」에서는 전통적으로 판화의 판재로 사용되어온 목판, 동판, 석판, 고무판이 아닌 아크릴 판을 사용하는 ‘블루 프린트’ 판화기법 시연회가 이루어진다. 판화전문가들에게도 생소한 ‘블루프린트’ 는 현대 첨단 기술 발전의 결과물로 판화의 역사와 기술적 발명의 결합을 잘 보여주고 있는 기법이라는 평을 받고 있다.

위 행사와 함께 전시연계교육프로그램으로 일상생활에서 많이 사용되고 있는 판화의 스텐실 기법을 이용하여 손수건에 그림을 그리는「아트톡톡-손수건에 찍go! 찍go!」가 진행된다.

최근 들어 자연과 인간이 함께 이로움을 찾아가는 환경 친화적인 녹색성장이 국가발전을 위한 중요한 요소로 작용하고 있다. 자연과 도심이 공존하는 곳에 위치한 우제길미술관은 예술과 환경이 조화롭고 지혜롭게 상생하는 방법에 많은 관심을 가지고 있다. 우제길미술관은 가정의 달 5월을 맞이하여 모두 함께 환경에 대한 중요성을 생각해보자 하는 의도에서「초록메시지」展을 기획하였다.

「초록메시지」展은 환경에 대한 작가들의 생각과 의식을 조형적 언어로 담아내는 전시로 일상적 오브제에 재생의 의미를 부여하는 작품, 무의식적으로 지나쳐버린 평범한 공간에 대한 새로운 시각, 자연의 변화되는 모습을 통해 인간의 모습을 반추하는 작품 등 자연과 환경, 인간에 대한 작가들의 다양한 생각들이 전시된다.

또한 본 전시와 함께 (사)한국사립미술관협회와 우제길미술관이 2007년 이래 매년 진행하고 있는『Museum Festival 예술체험 그리고 놀이』행사를 개최한다. 2010년은 자연사랑에 대한 적극적인 행동의 시작으로 초등생을 위한 전시연계 체험프로그램「아트톡톡-자연을 담은 에코백 만들기」를 진행한다. 본 전시와 체험프로그램을 통해서 현 부모 세대가 미래 세대에 대해 책임을 가지며 자연의 소중함과 자연을 사랑하는 마음을 담아갈 수 있는 기회가 되기를 바란다.
초록메시지 展에는 김영태, 김주연, 류신, 박윤숙, 박일정, 박태규, 이정기, 정하양, 조광석, 주미희, 최은태, 최제헌의 작품이 전시된다.

우제길은 1960년대의 중후반을 넘어가면서 본격적인 추상의 세계로 들어서게 된다. 그 과정에서 격렬한 붓질에 의한 추상회화에서 차분한 비정형의 추상을 거쳐 기하학적 추상으로 넘어가는 일련의 흐름을 보여준다. 이때 선과 면 그리고 색과 같은 조형의 요소에 의한 화면 구성과 더불어 빛과 리듬 같은 추상적 테마를 시각화하는 시도가 있었다.

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우제길은 빛의 작가로 알려져 있다. 우제길의 작품에 대해 李慶成(미술평론가)은 “빛과 어둠의 교향시”라고 했고 이석우(문학박사)는 “어두움을 사르는 생명과 자유의 빛”이라 표현했다. 빛은 어두움 속에서 더욱 빛난다. 그의 그림은 어두움이 화면을 지배하고 있으며 그 어두움을 뚫고 서광과 같은 강렬한 빛이 스며든다. 그러나 최근 그의 작업에는 어두움이 사라지고 빛만 남았다. 차갑고 날카로운 빛이 아니라 포근하게 감싸는 따뜻한 빛이다. 과거 자신이 표현했듯이 “태고의 빛”을 찾기 위해 흑과 백의 강렬한 대비를 동원했던 것에서 변화가 일고 있다. 장석원이 말한 “시대사조를 민감하게 추종하기보다는 그것을 뛰어넘어 회화적 진실을 추구하는 유형의 작가”라는 표현대로 그는 진솔하게 자신을 표현하는 작가임이 분명하다. 그의 작품세계를 관통하는 빛의 존재는 많은 것을 시사한다. 과거에는 답답한 환경에서 탈피하고픈 희망과 자유를 갈망하는 그의 마음속 깊은 곳에서의 욕망의 표출이었고 암울한 현실로부터의 탈출을 갈구하는 의지였다면 현재는 여유와 관용 그리고 유토피아적 이상의 빛이다. 치열하게 살아온 젊은 시절의 도전과 극복 그리고 갈망의 흔적을 뒤로하고 관조와 회고의 평안한 노년을 드러내는 그림으로 그의 진솔한 인간적 면모와 작품세계를 갈음할 수 있다.

이번 전시 제목인「Light 647-3」는 그가 수십 년 동안 천착해온 ‘Light’와 그가 하루 중 거의 모든 시간을 보내는 미술관과 작업실 주소의 번지수(數)인 647의 결합으로, 우제길 미술관에서의 「Light 647」의 세 번째 전시로, 그의 전시와 함께 이루어질 오픈 스튜디오의 성격을 드려내고 있다.